Pepe Escriche

       

       Decía el otro día el señor Microalgo, fiel seguidor por los vericuetos de la blogsfera, que no era cuestión de convertir el blog en una necrológica continua. Yo coincido con ese planteamiento, pues este Alcancero podría convertirse en una de esas viejas que sólo anuncian muertes, enfermedades y catástrofes. Pero me veo moralmente obligado a violar esta norma para hablar de la muerte de José María Escriche, Pepe, para los amigos, que eran muchos.

            No era una persona conocida, pero en el mundillo de los festivales de cine era un nombre prestigioso. Fundó en 1973 el Festival de Huesca, al que siguió vinculado toda su vida. Consiguió darle eso tan importante que es un nombre propio en un mercado tan saturado. Veló por él incluso cuando se dedicó a otras ocupaciones, como la política, ya que fue concejal en el ayuntamiento oscense varios años. Los que conocemos el evento sabemos de su rigor y honestidad, con su apertura hacia Iberoamérica. No lo traté mucho, pero recuerdo la conversación que tuve con él en su despacho en la última edición. Era de estas personas que tienes la sensación de que en cualquier momento te van a dar un abrazo porque hoy es hoy. Ya estaba aquejado según parece de la eufemística “larga enfermedad” que se lo ha llevado, pero no daba sensación ninguna de malestar. Era un ejemplo de la enorme vitalidad que desarrolló toda su vida, según cuentan los que le conocieron bien.

            Alcances tiene una gran deuda con él y con Huesca. En tiempos más oscuros para nosotros, el Festival de la ciudad desde donde se divisan los Pirineos siempre estuvo pendiente de Cádiz y echó unos cables impresionantes. Era nuestro único contacto con el mundo exterior, antes de que la nueva etapa abriera horizontes a otros festivales. Además, era un gran amigo de Cádiz. Venía con frecuencia, no sólo en Alcances, y se convirtió en un gran embajador nuestro. Lo siento por nuestras Cármenes, que mantenían con él una relación fraternal. Y lo siento por su equipo, Ángel, Lázaro y Montse. Estoy seguro que le harán el mejor homenaje que se puede hacer: mantener el Festival como un referente tal y como él hubiese seguido haciendo. Un abrazo alcancero a todos ellos y ellas.

Lo menor de si

Lo mejor de mí es un melodrama español bastante curioso. Primero porque intenta en todo momento alejarse de este género bajo la patina de un film “moderno”, con ese punto de diseño molesto que tienen los filmes catalanes aunque cuenten historias cotidianas. Segundo porque invierte la secuencia, por usar la socorrida frase de las películas de ciencia ficción. A pesar de la entrega de la protagonista por amor, hasta el punto de darse a si misma de una forma literal y no metafórica, no es un drama desaforado. Incluso podríamos decir que es pragmático en su visión de las relaciones humanas. Una historia de amor en los tiempos de internet.

 

La cosa va de una joven periodista que acaba de conseguir una plaza fija en una radio como locutora (es significativo que esto de conseguir un empleo como Dios manda sea mostrado en el cine español como algo extraordinario) y se va a vivir con su novio, un atleta que corre vallas. Su vida parece como de anuncio de la tele, pero pronto la realidad hace su cruel aparición como suele. Su chico cae enfermo con una grave infección del hígado. La entrega de ella no es tan lacrimosa como debiera por varios motivos. Uno, en el proceso descubre algo que le hace ver que su chico no es lo fiable como debiera. Dos, él como que redescubre lo que vale ella al verla intentar levantarle el ánimo en el hospital. Pero ya las cosas no serán como antes.

            Con lo que Lo mejor de mí acaba siendo una historia sobre el desamor y no sobre como llevar la pasión hasta sus últimos extremos, como parece al principio. Ya lo dijimos más arriba, es una historia propia de estos tiempos descreídos. Hay dos detalles que le dan mucha ambigüedad. La chica protagonista se nos presenta al principio como una perfeccionista que quiere que su vida sea ideal. Tal vez por ello no sea capaz de perdonar. Y desde el comienzo del film, sabemos que el atleta no es digno de su amor por lo que descubrimos. Pero ella no atiende a que realmente la ha conocido como persona en el hospital. ¿Quién de los dos tiene razón? Todos y ninguno. La gran ironía de la película es que sus personajes pueden hacer sacrificios físicos pero no personales.

            El problema es que este atractivo planteamiento no cuaja por la forma en que esta rodado. Ya dijimos que tiene unos puntos de película “moderna” en su manera de tratar una historia realista muy molestos. El desarrollo tiene algunas caídas de ritmo, con atascos en los diálogos. Y los actores, a pesar del premio a Marian Álvarez en Locarno, no están a la altura. Todo ello daña a una obra que parafraseando su título, podía haber dado algo más de lo mejor de si.

El hijo pródigo

La noche es nuestra no deja de ser una tragedia griega. El héroe intenta escapar de su destino pero al final no puede evitar caer en él. Su sino no esta dictaminado por los dioses, sino por su tradición familiar. Forma parte de una estirpe de policías de la que ha intentando distanciarse. Lo malo es que lo hace tan bien que acaba cayendo en el otro lado de la ley sin pretenderlo, lo que le obliga a tomar su partido.

 

            Es el tercer largometraje de James Gray, que sólo ha rodado tres filmes en catorce años. En toda su parca obra ha unido siempre crimen y familia (Little Odessa, La otra cara del crimen). La noche es nuestra recupera los policiales setenteros, centrados en la lucha contra el delito y con ambigüedades morales. Pero básicamente es un magnífico drama familiar nada complaciente. La espléndida secuencia inicial lo expresa bien. El hijo destinado a ser pródigo (Joaquin Phoenix), que trabaja en una discoteca donde se distribuye droga, aparece en la fiesta de su padre, veterano y respetado capitán de policía (el gran Robert Duvall) . Su llamativo traje contrasta con los austeros de los policías. Su exuberante novia latina (Eva Mendes) choca con las sobrias esposas presentes. Las miradas que cruza con su padre y su hermano, otro superpoli (Mark Wahlberg), y los tiritos verbales entre ellos demuestran las malas relaciones. El remate de la secuencia es estupendo: Mientras el joven se morrea con su novia, los policías dedican un minuto de silencio a un compañero muerto el día anterior.

 

            El resto de la película trata de cómo estas barreras van cayendo y aproximando a los dos hermanos. Pero no es un guión fácil en el sentido de poner la elección por las fuerzas de la ley como la lógica. Para los dos hermanos será un proceso traumático y con grandes perdidas. Es una ironía, nos dice Gray, que para reforzar los lazos familiares haya que romper con todo lo demás. Para el personaje de Phoenix reencontrarse con los suyos significa alejarse de la familia rusa con la que se siente más integrado y más unido. El presentar a los mafiosos eslavos con los rasgos cotidianos de sus homólogos italianos es uno de los grandes hallazgos del film, que incluye otros, como una breve persecución de coches bajo la lluvia de cuya intensidad deberían aprender otros cineastas más dedicados a la acción que Gray. Y el haber sacado buen partido de tres actores tan discutibles como Wahlberg, Phoenix (ambos productores de la cinta) y sobre todo Eva Mendes. Tras ver este excelente y adulto film, sólo cabe desear que el cineasta se prodigue más y no deje pasar años entre película y película.

Una desaparición prematura

Rafael Azcona se fue en silencio, pero uno no cree que esta despedida a la francesa tuviese que ver con su legendaria discreción. Alguien que fustigó con tanto tino las costumbres hispanas debía tener bastante recelo de hacer pasar a los suyos por esa tortura nacional llamada velatorio. Y de que su nombre fuese usado en vano por famosos y famosetes de todo pelaje ante las cámaras glosando su figura. Tal vez se acordara del grotesco funeral que escribió para Berlanga en ¡Vivan los novios!

 

            Pero es curioso que este magnífico catador de nuestra esencia fuese tan poco español en otras cosas. En un país donde la figura del guionista profesional se halla circunscrita a la televisión, consiguió dedicarse en exclusiva a ello medio siglo, sin tener tentaciones de pasarse a la dirección. Cuando cualquier cantamañanas publicita su obra hasta la exasperación, Azcona permaneció en un obsesivo segundo plano. Sólo al final, quién sabe si azuzado por la enfermedad, rompió su silencio y empezó a pasearse por periódicos, televisiones y tertulias. Allí rompió otro tópico. Un sujeto discreto no tiene porque ser un huraño. Mostró una lucidez, elegancia y conocimiento de la vida encomiables antes de su prematura muerte. Y es que aunque pasaba de los 80, era una de estas figuras cuya desaparición siempre ocurre antes de tiempo.

 

            Azcona era un superviviente de una estirpe irrepetible. Era de los escritores antiguos, de los que dejaba la provincia para vivir la bohemia en Madrid y patearse los cafés. Lo mejor de su obra se halla al principio, cuando sus primeros guiones para Ferreri y Berlanga prolongaban sus corrosivos escritos literarios de los 50. Luego escribió demasiado –incluso para Bud Spencer- y su verdadera voz se perdió en el tráfago de guiones, aunque su oficio permitió a algunos directores hacer sus mejores obras. Ahí está el chiste del falangista con el brazo enyesado en La prima Angélica para demostrarlo. Tal vez Trueba y José Luis Cuerda fueron los que le permitieron reencontrarse consigo mismo al final de su carrera, recuperando sus raíces más hispanas. Precisamente para Cuerda dejó su último guión. Mientras se estrena Los girasoles ciegos, sólo nos queda sentir un escalofrío de desamparo. En noviembre Fernán-Gómez, en marzo Azcona. Nos están dejando huérfanos.

 

Publicado en «Diario de Cádiz» el 27 de marzo

El primer héroe multinacional

Desde ya 10.000 es una firme candidata a figurar en la lista de las peores películas que este Alcancero hace todas las Navidades. Roland Emmerich, director de brocha gorda donde los haya, fiel esbirro germano del cine americano más estruendoso, ese que se lo gasta todo en el departamento de efectos especiales y nada en los guionistas, ha caído definitivamente en el abismo. Esta seudoepopeya que recuerda a demasiadas cosas y no ofrece nada personal tiene la pesadez alemana en el peor sentido del término. Acumulación de disparates por centímetro cuadrado de pantalla sin nada de flexibilidad en su planteamiento.

            Al menos, el espectador de 10.000 debe agradecer a Emmerich que haga malas películas divertidas. La desfachatez de la historieta hace gracia si te coge de buenas. La cosa empieza con seudoantropología donde los prehistóricos se parecen sospechosamente a los sioux de las praderas. El que unos jinetes arrasen el poblado como el 7º de Michigan refuerza esa nada inocente sensación. Luego sigue con un remake encubierto de El guía del desfiladero –nos referimos a la desastrosa versión americana del año pasado-, con un malo con la voz deformada inclusive. A continuación, un segmento sacado de las persecuciones selváticas de Parque Jurásico, con unas extrañas aves gigantes en vez de velocirraptores. Seguimos con unas notitas desérticas y con antepasados de los masais a lo Las minas del rey Salomón  para acabar en una fantasía digna de los dislates de Cuarto milenio y similares. Todo narrado con un desprecio de la verosimilitud y sin cuidarse de ensamblar de forma medianamente plausible tanta acción verdaderamente asombroso.

            Pero hay algunos detallitos que indican que la película no es tan inocente como parece. 10.000 habla del primer héroe, pero se pierde la gran ironía que inicia la acción, cuando se convierte en un mito por matar en solitario a un mamut aunque en realidad lo ha hecho por una serie de casualidades. Pero por desgracia, es un primitivo honrado y asume que ha sido de rebote. La película le permite empero convertirse en una leyenda de verdad. Claro que para ello este blanquito deberá liderar la primera coalición multinacional y multiétnica y enfrentarse a un villano con indefinidos rasgos entre lo oriental y lo árabe. Con lo que parece ser que el primer héroe de nuestra raza es un antepasado de los Bush y sus coaliciones contra el terrorismo. Ni el mal cine se libra de que intenten metértela doblada ideológicamente.

Vidas falsificadas

Hace un par de meses, les hablaba de El último tren a Auswichtz, donde contaba como a pesar de la amplía filmografía sobre el Holocausto aún quedaban aspectos vírgenes para el cine. El estreno de Los falsificadores, producción austro-alemana que obtuvo el último Oscar al mejor film de habla no inglesa –beneficiándose descaradamente de una selección que marginó a la rumana 4 meses, 3 semanas, 2 días, a la china La boda de Tuya o a la taiwanesa  Deseo, peligro­-, incide en esta idea, al menos aparentemente. Trata de la participación de prisioneros judíos en la Operación Bernhard, también conocida como Operación Krüger, por el SS que la dirigió. Básicamente, consistió en el mayor plan de falsificación de moneda de la historia, amparado por el estado nazi. Se trataba de imitar libras esterlinas, luego también dólares, para pagar las operaciones encubiertas de los alemanes en el extranjero y para tratar de arruinar la economía británica inundando el mercado de divisas de libras falsas. Para un régimen que tenía como pilares asumidos la guerra y el asesinato masivo, falsificar moneda era como una travesura infantil.

            Se uno se informa sobre esta operación, la película se queda corta, pues trasciende lo que fue el Holocausto y se convierte en una apasionante historia, una de las menos conocidas de la Segunda Guerra Mundial, en gran medida porque los propios aliados la silenciaron tras la victoria. No es objeto de este post hablar sobre ella, pues eso nos llevaría muy lejos. Los interesados pueden clicar en este link e informarse. El caso es que las autoridades de las SS aislaron en uno de sus campos de concentración un área para crear los talleres para que trabajase el equipo de falsificadores, formado por expertos en varios campos: grabadores, impresores y demás profesionales de las artes gráficas, incluyendo delincuentes expertos en copiar billetes. Muchos, aunque no todos, eran judíos. Estos tenían “privilegios” a cambio de su trabajo, como mejores alojamientos y comida, y, sobre todo, la prolongación de sus vidas. Aunque la cuestión moral era evidente. Si trabajaban bien y las economías aliadas se venían abajo, podían ganar la guerra sus captores y verdugos. Si no, serían eliminados al no ser imprescindibles.

            Este el es debate que centra Los falsificadores, eludiendo las otras tramas de la compleja Operación Bernhard. Eso hace que la estrategia narrativa sacrifique la verosimilitud histórica. Hubo unos 140 “trabajadores” empleados en el taller de falsificación, pero en el film son un puñado. Es curiosamente uno de los problemas que también tiene El último tren a Auswichtz, donde los atestados vagones de los transportes de la muerte estaban muy vacíos para propiciar la identificación con unos pocos personajes. Este Alcancero se pregunta si los responsables de estos films no caen en la cuenta de que indirectamente le quitan hierro a muchos de los horrores del Holocausto al simplificarlos. Tampoco hay rastro de los no judíos que participaron en la inmensa estafa. Aparte de esto, decir que Los falsificadores tampoco pasará a la historia de las películas sobre el exterminio judío. Los debates morales que presenta entre los reclusos partidarios de seguir el juego a los nazis y los concienciados que quieren sabotear la operación son bastante tópicos. Es de destacar que el más destacado de este último grupo, Adolf Burger, queda muy bien parado. Tal vez porque aún vive y los responsables del film le agradecen en los créditos finales su asesoramiento. Burger es uno de los que más ha informado sobre la Operación Bernhard en varios libros que ha publicado. Frente a él, otra figura real, pero ésta más oscura. Salomón Sorowitsch, falsificador profesional ruso que sólo busca sobrevivir pero acaba siendo el dirigente del grupo. Los choques entre ellos destilan algún interés, pero no pasión. Entre medio, los horrores clásicos del campo de concentración, con la arbitrariedad de la vida y la muerte dispensada por las SS. En este aspecto no aporta nada nuevo a lo ya visto, aunque los nazis vuelven a ser crueles y cobardes de opereta. ¡Ay, dónde está el tortuoso y sanguinario Ralph Fiennes de La lista de Schindler, capaz de helarnos la sangre!

Empero, hay un aspecto donde Los falsificadores muestra cierto interés aunque no lo explota lo suficiente, y es en la gradación que de todos modos tuvo el Holocausto. Al final los bien alimentados y cuidados “empleados” de la Operación Bernhard se enfrentan a sus vecinos del campo de concentración del que han estado aislados, sintiendo que a pesar de todo han sido unos privilegiados. También en el desenlace de la trama, donde Sorowitsch toma una singular decisión para lavar su conciencia. El tema de fondo es la culpabilidad de los judíos que sobrevivieron a la matanza, que tuvieron que vivir con dos estigmas: las terribles experiencias vividas y la de preguntarse porque ellos se habían salvado. A lo mejor, en muchos casos, precisamente por colaborar con sus verdugos. Pero estos apuntes hubiesen merecido un mejor desarrollo para abrir, esta vez sí, una nueva vía de acercamiento al Holocausto. Esperemos que alguna película futura nos amplíe este campo y nos narre la cinematográfica y apasionante historia de la Operación Bernhard completa.

Un melodrama poco sedoso

Seda es un fenómeno editorial que refleja bien alguna de las características de nuestro tiempo cultural. Aunque se vende como novela, es un cuento que se lee en un rato. Los compulsivos escritores del siglo XIX se escandalizarán en sus tumbas de ver como esos tomos ingentes que ellos producían como churros se han convertido en pequeños ejemplares ideales para ser devorados en  AVE y puentes aéreos. Seda juega con el exotismo del misterioso Japón y con una historia que ofrece menos de lo que aparenta su aparataje literario. Pero está muy bien escrita y Baricco maneja con habilidad sus cartas, con esa estructura repetitiva que muchos de sus lectores reconocerán como propia de sus vidas.

            El libro se publicó en 1996, con lo que su adaptación cinematográfica ha tardado. En principio, el director, François Girard, parecía una magnífica elección. Cineasta poco prolífico, su excelente El violín rojo demostró que era capaz de manejar intimismo de categoría con estrellas y grandes presupuestos. Pero por desgracia el francés no se halla a la altura en Seda. El film no alcanza el lirismo necesario, sino que se queda en un melodrama con pretensiones de esos televisivos con que las cadenas nos torturan los fines de semana por la tarde. Girard se queda en la epidermis de la historia pero no sabe sacar todo su jugo. Su acercamiento cae en lo convencional, pero con un punto trascendente que juega en su contra. Demasiada fotografía bonita y demasiada música empalagosa. El fantasma del aburrimiento empieza a tomar cuerpo en el visionado del metraje. Además, la adaptación elimina por fuerza uno de los logros del libro. La repetición en los pasos del viaje del protagonista cada vez que se dirige a Japón que le daba a la historia su atractiva estructura pendular, la de un hombre que se mueve entre dos mundos completamente opuestos con el que acaba habiendo un insospechado diálogo.

            En cuanto a los actores, Alfred Molina demuestra su poderío, Michael Pitt, el hermano nada menor de Brad, sigue avisando de que puede ser uno de las estrellas del futuro y la insoportable Keira Knightley se empeña en su único recurso: poner permanente cara de asco. Hay que estar de acuerdo con Carlos Boyero. El estrellato de esta chica es uno de los grandes misterios del cine contemporáneo.

Final de etapa

En su novela El dueño del secreto Antonio Muñoz Molina recordaba como en la dictadura franquista cualquier currito con un uniforme, aunque fuese de conserje, o cualquiera que tuviese un mínimo poder se comportaba como un pequeño Führer. Viendo la película rumana 4 meses, 3 semanas, 2 días, la gran triunfadora del festival de Cannes 2007 y ninguneada en los Oscars, uno recuerda el libro del escritor granadino. El film se halla ambientado en los últimos años de la dictadura de Ceacescu, y expresa a la perfección lo que significa un estado policial. No en las fuerzas del orden, de la que significativamente sólo salen un par de representantes despistados, sino en mostrar cómo el espíritu represor entra en todos los estamentos de la ciudadanía.

 

            El miedo domina a las dos protagonistas, y no porque van a encarar un aborto, actividad prohibidísima y penadísima en la Rumania comunista, sino por los controles que van a encarar por todos sitios. Como ejemplo, la mirada de perdonavidas de la inspectora del autobús o los hoteleros que no pasarían un examen de amabilidad, más preocupados por ser auxiliares de la policía que en hacer bien su trabajo. Otros apuntes como las colas delante de establecimientos que forman el fondo de la acción en algunos momentos demuestran la capacidad de Cristian Mungiu, escritor y director, de crear un clima de degradación social en base a los detalles, sin subrayados ni estridencias. Otro aspecto donde acierta es en la ambientación. Hoteles e interiores deteriorados, exhibiendo en sus cicatrices tiempos de esplendor ya pasados, como ejemplo del régimen que estaba a punto de derrumbarse.

 

            Pero al revés que otras películas, 4 meses, 3 semanas, 2 días no tiene su fuerza únicamente en los detalles, sino que estos apoyan una fuerte historia central. En este ambiente es lógico que se produzca esta trama entre una pareja de chicas que nunca tiene nuestra simpatía y una serie de sórdidos personajes. Las protagonistas son dos compañeras en una residencia universitaria bastante castradas como personas, típico producto de un régimen represor. Una es en el fondo una egoísta que sólo piensa en su problema, desembarazarse de su feto al precio que sea, y la otra se deja llevar por los acontecimientos, si controlarlos nunca. Hay que añadir en la cuenta de Mungiu que nunca moralice con el tema del aborto, al revés que la sobrevalorada Juno, sino que lo use para destapar la degradación moral –no moralista- de una sociedad bloqueada. Se puede ver 4 meses, 3 semanas, 2 días como una inversión maligna de las historias dickensianas, con dos pánfilas que no saben como funciona el mundo enfrentándose a él y llevándose sórdidos chascos. Escenas como la soberbia y cruel del abortista mostrándoles el cruel pragmatismo del mundo son modélicas, así como la de la desangelada cena de cumpleaños en casa de los padres del novio de una de las jóvenes. Más allá de la cuestión social y política,, Mungiu hace también un duro retrato humano sobre la cobardía vital. No nos extraña que este film rumano haya sido una de las sensaciones del año. Su dureza y su falta de concesiones lo hace un drama riguroso e hiriente, rodado con la precisión de un escalpelo. El director ha afirmado –así consta en los créditos finales de 4 meses, 3 semanas, 2 días– que su película es la primera de una trilogía llamada Cuentos de la edad de oro, sobre los tiempos de Ceacescu el dictador que acabó fusilado un día de Navidad. Si alcanza en las otras dos entregas el nivel de esta, esperamos ansiosos.

Rostros de mujer

Caramel hace honor a su nombre, pues no deja de ser un suave caramelo, donde como pasa en muchos dulces el amargor es un truco para hacer más sabrosa la mezcla. Para empezar, es de estas películas “globalizadas” que aunque transcurre en una localización “exótica” como Beirut podría pasar perfectamente en Madrid o Nueva York. Habla de un grupo de mujeres de diversa edad y de sus aspiraciones y fracasos. Su punto de encuentro es un salón de belleza regentado por una de ellas. Tenemos desde la fracasada actriz de mediana edad que ve que se le escapa la juventud y el éxito hasta la enamorada de un hombre casado que no va a dejar a su legítima por ella. Retratos de mujer que como se ve no se pueden vender como representativos del Líbano. Sus historias podrían ocurrir en cualquier lugar del mundo.

Es un film escrito, dirigido y protagonizado por Nadine Labaki, que se ha dejado llevar por un fácil optimismo. Para entendernos, Caramel es de estas películas que plantean con suavidad situaciones aparentemente difíciles pero que se resuelven con calidez, con una cierta trampa cara a los espectadores. Os vamos a poner el lado oscuro de la vida pero tranquilos, que todo se arreglará, váyanse a casa contentos, el mundo es un lugar agradable después de todo. Ideal para públicos que se quieran creer que han visto cine comprometido pero sin salsa.

Sólo hay una historia que funcione entre las varia que ofrece el film y es la de la anciana que cuida de su hermana deficiente psíquica y se enamora. Al final renuncia su felicidad al saber que su labor de aya es un impedimento para su relación. Pero no esto es lo suficientemente crudo, como si después de todo Labaki aceptase que es el destino natural de la mujer sin plantearse mucho más lo que significa su cesión. Por algo la película acaba en una agradable boda cuya alegría subsume todos los conflictos, lo que no deja de arrojar una sombra en el planteamiento de la directora. Parece que el matrimonio y lo que comporta lo arregla todo. Decepcionante y algo reaccionario.

La llamada de la sangre

Lo mejor de Rise: cazadora de sangre es la negativa de la protagonista, Lucy Liu, a convertirse en un vampiro. Frente al proceso automático de conversión en un Nosferatú de otros filmes, la protagonista se resiste. La asquea ser una chupasangre y asumir que a partir de ahora la sangre será vida. Su lucha interna y su definitiva aceptación es lo más salvable de este film, en parte por la buena interpretación de Lucy Liu. Los vampiros en este caso siguen manteniendo características humanas y no tienen colmillos, debiendo abrir las venas a mordiscos, como caníbales. La violencia que tienen que ejercer los acerca a la violación pura y dura. No nos encontramos ante Nosferatús sofisticados, sino ante seres muy carnales y con un modo de proceder muy físico.

 

Lo malo es que el resto de la película no está a la altura del diseño de sus villanos y de las turbaciones morales de su protagonista. Es un cómic en el peor sentido de la palabra, lleno de situaciones arbitrarias y mal resueltas. No queda claro por qué razón las víctimas de los vampiros son tan selectivas, y algunos se convierten en Nosferatús y otros no. Tampoco sabemos muy bien quienes son ese grupo que ayuda a la protagonista y le pone en la pista de los que la “mataron” para vengarse. Ni el motivo por el cual Lucy Liu pasa de ser una afable periodista a una superheroína exterminadora de vampiros tan letal. No hemos visto en ningún momento su entrenamiento.

Aunque a uno lo que le pone triste de Rise: cazadora de sangre es ver al gran actor Michael Chiklis en un papel tan devaluado. Un personaje gratuito, que se supone va a ser fundamental y acaba siendo meramente funcional. Chiklis es más conocido popularmente por ser La Cosa en los filmes sobre Los 4 Fantásticos, pero exhibe mejor su hipnótico talento en la no menos hipnótica serie The Shield. Pero aquí, en un personaje parecido a su tenso policía televisivo, se le nota demasiado que no le interesa la fiesta de sangre que se monta a su alrededor. En cualquier caso, la película demuestra que los vampiros no pasan de moda, al ser la segunda que se estrena en un mes sobre este tema tras 30 días de oscuridad.