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Si ayer les hablaba de una secuela que iba en contra de la película madre, hoy hay algo más extraño. Un remake americano de una película austriaca que no se pudo ver en Estados Unidos en su momento por su crudeza, hecho por su mismo director y calcando plano a plano el original. Es de suponer que el veterano Michael Haneke, responsable de algunas de las películas más frías y sórdidas sobre nuestra sociedad rodadas en los últimos tiempos –junto con Von Trier es el gran sociópata del cine contemporáneo-,no querrá una carrera americana a estas alturas de la vida. Será consciente de que su estilo es de difícil encaje en USA. Pero parte de este experimento tal vez tenga que ver con Naomi Watts, la protagonista, que una vez más demuestra que no le hace ascos al cine más arriesgado. Ella es la productora ejecutiva de la cinta. Es de suponer que habrá tenido que hacer valer su estrellato para sacar adelante el proyecto.

 

            Haneke quería que Funny Games, una película nada divertida a pesar del título, se viese en el país de la violencia. La primera versión es de hace once años y era un aldabonazo. Frente a tanta banalización de la crueldad que nos rodea, ofrecía una situación descarnada y nos dábamos cuenta que era terrible. Una familia burguesa era secuestrada en su casa de verano por dos jóvenes psicópatas y sometidos a humillaciones sin cuento. En pocas películas se veían tan claras las consecuencias morales y físicas de una violencia desatada. Además, era un perverso juego que se dirigía al espectador como receptor de esa crudeza, apelando nuestra morbosa responsabilidad. Veíamos que lo que le pasaba a la familia era terrible, pero queríamos saber más. De una forma hitchcockiana se nos ocultaban las muertes y los ataques, que ocurrían fuera de campo, haciéndonos desear quien había sido la víctima. La tensión que lograba el film era insoportable.

 

            Por desgracia, todo esto sigue vigente once años después y la película no ha perdido actualidad. Lo que ocurre es que una película no se puede fotocopiar como si fuese un cuadro. Más bien es como el teatro. Por mucho que sea el mismo director y el mismo texto, ha tenido que usar otra compañía. Como se ve en el youtube anexo, el decorado americano es más aséptico. Además, esta segunda versión pierde la tensión del original. Algo se escapa por algún sitio. No es fácil repetir un clima tan logrado dos veces.Los dos psicópatas americanos, Michael Pitt y Brady Corbett, son más angelicales que sus precedentes austriacos, y por tanto más inquietantes. Sus ropitas blancas y sus guantes los convierten en maestros de ceremonias y abstracciones del terror. La sospecha más que fundada de que están exterminando a la urbanización donde transcurre la acción se abre paso en nuestras mentes. Son ese mal absoluto que puede caer en nuestros confortables refugios vitales y para el que no estamos preparados. Nuestra sociedad margina la violencia, pero sabe contenerla cuando no llega. No obstante, se echa de menos al psicópata encarnado por Arno Frisch en el primer film, con su cruel socarronería.

 

            Y poco más. Naomi Watts y Tim Roth están excelentes –el actor británico se redime de su pobre papel de El increíble Hulk- y los que no hayan visto la primera versión podrán asombrarse como los que vimos el Funny Games original hace once años. Los que no tengan miedo a los spoilers pueden ver el youtube adjunto y hacer un ejercicio de literatura comparada.

 

Secuela contestataria

Como decía Jordi Costa en su crítica de El increíble Hulk de hace unas semanas en El País, debe ser el primer caso en que una segunda parte de un film se hace en contra de la película original. Es sabido que a Stan Lee y sus cuates, cada vez más volcados en el negocio cinematográfico y menos en el de los cómics, no les gusto nada la versión que de La Masa hizo Ang Lee hace unos años, y su respuesta ha sido fulminante. Destituciones masivas y cambio de tendencia. El taiwanés hizo una rara película de superhéroes donde llevaba la trama a su terreno, el de las relaciones familiares y el lirismo de los amores bizarros. Había veces en que parecía una nueva versión de La bella y la bestia. Lo peor es que la taquilla no respondió y Lee (Stan)  ha demostrado ser un duro productor.

 

            Quería más acción y menos lirismo. Para ello ficho como nuevo director a Louis Leterrier, uno de estos jóvenes cineastas galos obsesionados con imitar a los modelos americanos, como demostró en Danny the Dog y Transporter 2. El resultado es menos poesía y más acción. Pero lo curioso es que el modelo Lee (Ang) ha sobrevivido a tanto cambio y se trasluce en la relación entre Banner-Hulk con su amada Betty Ross, que ahora se parece a King Kong tomando a su chica y llevándola a una gruta –en pleno Nueva York- bajo la lluvia. A pesar de todo la Marvel se ha dado cuenta que su personaje es más que una masa verde que da tortazos. Pero Leterrier no es el cineasta adecuado para reforzar estos puntos y va rápido para lo que le han contratado, la acción pura y dura. Y aquí la película cojea.

 

            Es curioso que el proyecto Hulk se esté cobrando víctimas a gran velocidad. A los depurados del primer film habrá que añadir al protagonista del segundo Edward Norton, que quería un film a lo Lee (Ang). Pero Lee (Stan) destrozó sus sugerencias y reforzó la parte de los puños, lo que ha llevado al actor a negarse a hacer promoción, con lo que probablemente si hay tercer Hulk tendrá otros rasgos. Aquí La Masa se enfrenta a La Abominación, un militar de fuerzas especiales (pero con el detalle de haber nacido ruso) que quiere probar el poder de ser un superhéroe transformado. Lo que no resulta creíble es que le de vida Tim Roth, actor estupendo para papeles inquietantes pero demasiado escuchimizado y mayor para ser creíble como un combatiente de elite. Hay una idea interesante que se pierde, como es que este militar quiere desdoblarse en alguien más poderoso precisamente porqué se siente viejo, pero no se explota. Y también hay algunas carajadas de estas que le gustan tanto a los guiones modernos de Hollywood y que dañan la credibilidad del conjunto. El increíble Hulk es una película entretenida a ratos pero que se deja llevar por demasiados estilemas del cine actual, como peleas alargadísimas y a veces confusas. Pero hay Marvel para rato, pues así como tras los créditos de Iron Man había una sorpresita en El increíble Hulk hay otra, aunque esta vez no hay que quedarse hasta el final del todo para verla. Algo que indica que tras los proyectados filmes sobre Thor y El Capitán América, el proyecto Vengador se acerca.

Cine a reloj parado

Fernando Colomo es un superviviente sin sitio. Sigue agarrado como cual Peter Pan a la comedia madrileña de la que fue santo y seña en los tiempos de la Transición. Otros compañeros suyos de generación, como Fernando Trueba o Almodóvar, ya hace tiempo dejaron lo cañí y se metieron en jardines más sofisticados, pero él sigue a lo suyo. Lo malo es que no sólo se le ha parado el reloj a él como cineasta, sino que sus historias se contagian de ese infantilismo vital.

 

            Y es que viendo su última obra, Rivales, uno piensa que sus personajes no evolucionan y parecen incapaces de superar la fase anal. Colomo debe ser conciente de este problema e intenta darle más peso dramático a sus protagonistas, contando con la ayuda de Joaquín Oristrell e Inés París al guión, pero no lo consigue. Al final son todos unos obsesos sexuales como alumnos de instituto y eso parece ser el fin de sus vidas. Hasta los chicos que salen en el film parecen más adultos que sus mayores. Da igual el intento de densidad dramática de la trama, o que se quiera hablar en clave de comedia de las tensiones entre Madrid y Cataluña. Colomo siempre fue un tipo demasiado amable como para entrar a saco en nuestras diferencias territoriales o en cualquier detalle de los que ensombrecen el alma human y su devenir por este valle de lágrimas.

 

            Hay otro intento en Rivales de ponerse al día como es usar el ya manido truco de presentar a los personajes con historias separadas que al final confluyen. Esta vez tiene su lógica, puesto que todos ellos van a Sevilla a jugar o ver jugar a sus hijos una final de fútbol juvenil y ya el argumento les pone a huevo lo de relacionarse. Pero las diversas peripecias están muy desequilibradas. La de Ernesto Alterio y su hijo se parece demasiado a Carreteras secundarias, novela de Martínez de Pisón y película de Martínez Lázaro. La de la trastornada Kira Miró y los falsos guardias civiles es demasiado grotesca. Y el personaje de Juanjo Puigcorbé es absolutamente gratuito. Los actores brillan a un gran nivel pero poco pueden hacer para salvar unos papeles que ya vienen viciados desde el guión.

 

            Y entre tanta quincallería brilla con luz propia la gran Rosa Mª. Sardá. Ella da humanidad al mejor personaje y segmento de la película (o tal vez sea bueno por su presencia, quien sabe), una progre trasnochada a la que sólo queda el derecho al pataleo frente a un mundo tecnificado y cada vez más lejos de los ideales de los 60. Pero no es suficiente para que Rivales remonte el vuelo. Por cierto ¿sólo lo creo yo o Santi Millán se pasa la película imitando a Alberto San Juan? Y lo de meter a toda pastilla por todos sitios cárteles y anuncios de una determinada distribuidora de carburante y de determinada línea aérea llega a unos niveles bastante tristes, digno de una serie televisiva.

 

Justicia a la rusa

12 es aparentemente una nueva versión de la célebre 12 hombres sin piedad, el guión televisivo de Reginald Rose que pasó a las tablas y de ahí al cine. Hace medio siglo Sydney Lumet, ese chaval de 84 años que acaba de estrenar la magistral Antes que el diablo sepa que has muerto, utilizó esta historia para debutar en la gran pantalla, con Henry Fonda como el jurado que se enfrenta a sus compañeros. En España hubo una inolvidable versión para el mítico Estudio 1 a primeros de los 70, con un reparto irrepetible y que marcó a toda una generación en la que se cuenta este Alcancero.

 

            El film que nos ocupa sigue los grandes momentos de la trama: están el cuchillo duplicado, el anciano cuya cojera le impide llegar a tiempo de ver al asesino escapar como ha declarado en el juicio, la mujer miope que ve a través de una ventana el crimen, etc. Pero decía en el párrafo anterior que es una nueva versión aparente por varios motivos. 12 es un film ruso, dirigido por el controvertido Nikita Mikhalkov, y su historia no se centra en la tradición judicial americana, sino en la nueva Rusia. El texto original de Rose se insertaba en el discurso liberal de su país. Más vale dejar a un posible culpable libre si hay dudas razonables sobre la solvencia de los argumentos judiciales que lo condenan que arriesgarse a enchironar a un inocente. Pero a Mikhalkov no le interesa nada de esto. Al fin y al cabo su país es un adolescente democrático, y esa tradición de los jurados es nueva. El cineasta aprovecha para hacer una reflexión sobre la actual Rusia.

 

            Así, los doce componentes del jurado representan diversos aspectos de la actual sociedad del que fue país de los soviets. El funcionario ex comunista que se ha quedado fuera de juego, el nuevo rico, el antiguo militar, el rusófilo irredento, el que viene de las provincias sometidas por Moscú, el judío que levanta ampollas en alguno de sus compañeros, etc. Más caña tiene que el presunto criminal es un joven chechenio acusado de matar a su padrastro, oficial del ejército ruso. Todo muy bien, pero el film es farragoso y confuso. Mikhalkov destroza todos los atractivos de la obra original. Las reglas aristotélicas de unidad de acción, lugar y tiempo se rompen con la historia del acusado antes de su detención, que no añaden nada y resultan repetitivas. Peor es que lo que eran argumentos judiciales se sustituyen por unos pesados argumentos morales que hacen que cada jurado tenga unos monólogos bastante soporíferos y que contribuyen a que la película dure unas excesivas dos horas y media. Así, la justicia cerebral se sustituye por un seudo misticismo muy ruso, que podía ser grande en Tolstoi y Dostoyevski, pero aquí es aburridísimo. Además, los actores pierden toda la intensidad dramática de los personajes originales con interpretaciones grotescas y sobrepasadas.

 

            Y hay un tufillo muy extraño ideológico. No en vano el director, que se reserva un papel crucial en su film, es una ultranacionalista ruso, defensor de la ortodoxia ortodoxa y amigo y defensor público del señor Putin. El caos en que siempre caen las votaciones del jurado parece una burla de un pueblo que no está preparado para la democracia, así como que la deliberación tenga lugar en el gimnasio de una escuela anexa. El juzgado no tiene una sala adecuada. Y el discurso final, donde 12 se aleja definitivamente, del liberalismo del texto original, y que da el personaje encarnado por Mikhalkov curiosamente, es bastante resbaloso. Y es que lo malo de la película no es que hable de la confusión rusa en la actualidad, sino que da soluciones bastante agresivas. Seguimos prefiriendo a Henry Fonda y José María Rodero.

La imperial Cyd

Algún veterano crítico de cine, más conocido hoy en día por sus exabruptos radiofónicos que por sus amplios conocimientos, decía que en sus tiempos la conocían como “La imperial Cyd”. También confesaba que en los duros años 50 los chicos españoles iban a los musicales porqué allí se veían piernas (aunque como decía aquel aburrido productor de La calle 42, después de varias semanas es una pierna que sube y que baja). Desde ese punto de vista la recién fallecida Cyd Charisse recién fallecida, no defraudaba. Unas largas extremidades capaces de enrollarse como las de una serpiente. Pero su muerte nos retrotrae a una época del cine desparecida para siempre. La de los grandes musicales de la Metro, lujo y technicolor a toda pantalla. Alcancero tuvo hace años la oportunidad de ver The Band Wagon en una sala y la experiencia fue alucinante.

 

            Cyd Charisse sufrió el fin de la era dorada del musical. No era buena actriz, y no supo reciclarse. No cantaba y solía doblarla Marnie Nixon, la misma que cantaba con la cara de Audrey Hepburn en My Fair Lady. Pero toda su sosería se transformaba cuando bailaba, combinando letalmente arte y erotismo. Suya era la interminable pierna que frenaba a Gene Kelly en el número onírico de Cantando bajo la lluvia. Y ahí están sus dúos con Fred Astaire en la citada The Band Wagon o La bella de Moscú, donde tuvo otro de sus más recordados momentos cuando en solitario danzaba con gracia infinita cambiando sus ropas de institutriz soviética por lencería fina occidental. Pero fue el gran Nicholas Ray el que supo aprovechar esta esquizofrenia de Cyd Charisse, leona cuando bailaba, modosita cuando no, en la magistral Chicago, años 30. Su mejor película y su mejor papel. Su fallecimiento deja huérfano de recuerdos a una era que nunca volverá.

El mejor compañero de viaje

Stan Winston hizo alguna película como director, pero su destino era ser el mejor compañero de alguno de los más populares cineastas de los últimos años. Sin él no se entendería el giro que el cine americano dio en los 70 y 80 hacía la espectacularidad y la tecnocracia. Winston era el heredero de Ray Harryhausen, ese genio de las maquetas, pero al mismo tiempo contribuyó a matar esa herencia. Gracias al talento del recién fallecido técnico de efectos especiales, las entrañables películas de Harryhausen parecen auténticamente naif a las nuevas generaciones.

 

            En este estilo empezó Stan Winston, hasta que descubrió el potencial de los ordenadores y pasó a crear los increíbles efectos de Aliens y las dos películas que cambiarían para siempre la recreación en mundos virtuales en cine, Terminator 2 y Parque Jurásico. Muchos de los que vendrían tras él usarían sus técnicas de forma mecánica, pero él las dotaba de trabajada belleza. Recuérdese el inquietante ojo del tiranosaurio cuando le caía encima la luz de la linterna. O esa virguería del rostro del asombrado piloto del helicóptero reflejado en el metal líquido del T-1000 en la secuela de Terminator, cuyos efectos también realizó.

 

            Así, este hombre que fracasó como cómico de sala y actor antes de encontrar su verdadero camino, fue crucial para una época del cine americano donde se conquistaron mundos imposibles. También de una infantilización de la que ahora parece estar escapando, pero esa es otra historia. Sea como fuere, Stan Winston fue en gran parte el responsable de que una generación que ahora está por los cuarenta se enganchase al cine hace dos décadas. Cuatro Oscars avalan la importancia que tuvo para la industria.

 

(Publicado en Diario de Cádiz el 18 de junio)

Rebelión natural

¿Vive Shyamalan de las rentas de El sexto sentido? Mal que le pese, casi diez años después de su famosa historia de fantasmas hay que colegir que algo sí. Al director hindú cada vez le gustó más la trampa narrativa y no supo encontrar el milagroso equilibrio entre ella y la genuina sorpresa que recorría El sexto sentido. Lo peor es que a su éxito más rotundo siguió un creciente conservadurismo que llegó a lo puramente reaccionario en Señales, con su terrible –y no por los extraterrestres- plano final. Parece que lo que le interesaba era enderezar familias en peligro a los que las catástrofes que acaecían sobre ellos las llevaba a redescubrirse.

 

            No obstante, la hermosa fábula La joven del agua parecía marcar un nuevo camino, ya que volvía el narrador elegante. El problema es que la vendieron como un film de terror puro y duro –ahí estaba su engañoso trailer- cuando no lo era en absoluto, con lo que muchos se desengañaron al verla. Lo malo es que Shyamalan no ha aprovechado el giro y ofrece más de lo mismo en su nuevo film, El incidente. De nuevo una tragedia cae sobre un matrimonio que no lo tiene nada claro, y donde ella es una infiel. Parece que la naturaleza se ha hartado del expolio al que le sometemos los humanos y empieza a extinguirnos, emitiendo una toxina que provoca suicidios. Shyamalan disimula que en el fondo la historia no tiene mucha entidad con su efectivo estilo. Evita los sustos fáciles –de nuevo los trailers son engañosos- y rueda las muertes con elegancia, sin recrearse en exceso, salvo en dos prescindibles momentos. Pero no se puede ocultar que en fondo es un rutinario film de catástrofes con pretensiones. Eso sí, el conservadurismo del director aparece sin recato. El viento que esparce las toxinas puede ser el aliento de  Dios como en el Antiguo Testamento y otra vez una pareja en crisis se arregla gracias a ello. Tal vez por ello son respetados por la desatada naturaleza, no como ese matrimonio que se separa y por ellos muere. Es una sublevación de las plantas muy moralista.

 

            Hay una parte interesante en la película, cuando deambulan sin rumbo intentando huir de la rebelión natural y se topan con una serie de peligrosos freakies de la América profunda. Una metáfora del caos social que puede vivir parte de la sociedad estadounidense actual cuando el miedo se apodera de ella. Pero es muy poco teniendo reciente la estupenda La niebla de Stephen King que incidía en ello de forma muy efectiva. El incidente se va perdiendo en lo que en realidad es una película bastante topica, incluyendo el profesor de naturales que es capaz de ir deduciendo sobre el terreno lo que está ocurriendo por ciencia infusa. Y el final es digno de los filmes baratos de ciencia ficción. Una película que ofrece mucho menos de lo que aparenta su trascendente estilo.

Pobres viejos

El verdadero tema de La familia Savages no es la descomposición familiar, sino la decadencia y la vejez. Aparentemente nos encontramos ante una trama de dos hijos cuarentones víctimas de un padre terrible que se halla a las puertas de la muerte. Demente senil, es expulsado de la urbanización donde vive, uno de estos auténticos ghettos de clase media que se han puesto de moda. De este apartadero pasamos a otros, las residencias para ancianos donde las sonrisas y las terapias no ocultan que son almacenes donde poner a unos ciudadanos que estorban en este mundo nuestro tan tecnificado. Podemos tener internet y GPS en el móvil, pero no sabemos que hacer con nuestros ancianos cuando dejan de ser productivos y se comen nuestras rentas para seguir invirtiendo en tecnología.

 

            En esos asistentes sociales que no quieren recoger la mierda de los ancianos, en esas residencias que no admiten a nadie a partir de las cinco, en esas habitaciones donde roban cosas sin que el personal se cosque está el verdadero mensaje de la película, bastante áspero. Los detalles de comedia indie no ocultan la amargura del argumento. Cuando uno de los hermanos se enfrenta a un muerte preguntando “¿Y eso es todo?” la angustia llega a su paroxismo. Junto a este sombrío panorama, las tensiones entre los dos protagonistas casi se diluyen. Hijos de este padre terrible que se les apaga, tienen demasiados reproches que hacerle a él y entre si. Lo que ocurre es que Tamara Jenkins, guionista y directora de este film, no hace nada para que los dos hermanos nos caigan simpáticos. Nos lo presenta como dos egoístas irredentos que seguramente usan su complicada infancia como excusa para su fracaso vital que deriva de sus débiles personalidades. El final es un poco engañoso. Aunque entra un poco de luz, se sobreentiende que ellos van a seguir a la suya. No existe nada de maduración personal ni evolución. Cada uno se queda como estaba.

 

            Este áspero pero interesante film no será muy popular, al faltar asideros emocionales para que los espectadores se agarren. Pero a su modo es una película arriesgada que demuestra que con materiales moralmente innobles se puede hacer buen cine que ahonde con inteligencia en los males de nuestra sociedad.

Los tiempos están retrocediendo

¿Qué opinará Michael Moore de La edad dela ignorancia cuando vea como su admirado Canadá, al que contrapone como modelo a la locura estadounidense en sus documentales, es un caos en este film de Denys Arcand? El presunto paraíso es en realidad un sitio con una burocracia inhumana, con un sistema sanitario desastroso y con un grado de incomunicación y competitividad que no tiene nada que envidiar al resto del mundo posindustrial. 

            Arcand cierra con esta película una inconfesa trilogía que inició hace 22 años con El declive del imperio americano y siguió con la soberbia Las invasiones bárbaras. En ellos hace una crítica de la generación progre, la que iba a cambiar el mundo en los 60 y sólo trajo a la larga el neoliberalismo salvaje, convirtiéndose en víctimas y verdugos. En la primera de la serie veíamos a un grupo de personajes atrapados en sus contradicciones. En la segunda, cómo el paso del tiempo les había afectado y se reunían para despedir a uno de ellos que se moría de cáncer. En su adiós y en su autoeutanasia se ennegrecía el discurso. En La edad de la ignorancia seguimos a un superviviente de esa generación. Tal vez envidie al que murió, pues su vida está completamente carente de atractivos.

 

            Pero hay mucho más que una desencantada crónica generacional en esta trilogía. Si seguimos sus títulos, vemos una nada inocente e irónica reflexión histórica. Al igual que la caída del imperio romano dio lugar al oscurantismo de la Edad Media, así nosotros estamos entrando en otra era similar. La película contrapone las fantasías del protagonista para evadirse de su triste realidad con el absurdo de un mundo tecnificado pero insensible. No obstante, este es el punto más débil la cinta. No añade nada a otras historias de corte similar. Pero es más efectivo el choque entre la insensibilidad de la administración frente a las tonterías New Age. Puede que estos funcionarios hagan feng-shui y motivación, pero luego no pueden dar respuestas a sus usuarios y a veces toman decisiones inhumanas. Como a esa víctima de un accidente a la que hacen pagar una farola que rompió en su desgracia.

 

            Es por ello que la mejor secuencia es la del torneo medieval, mitad fantasía de unos pocos mitad fiesta gótica para unos descerebrados. En ese policía que se transmuta de fraile en la mascarada y porta un discurso fascista está la caña de la película. Estamos en un mundo donde la tecnología no esconde que entramos en una nueva Edad Media donde la razón está marginada y el integrismo con visos de cruzada toma el mando. Ya hemos visto en la triste labor de este funcionario el fracaso del estado liberal y éste se halla desmantelado y las grandes corporaciones trasnacionales toman el lugar de los señores feudales.

 

            Arcand cuenta esto con su habitual humor dolorido. La pena es que La edad de la ignorancia tiene los fallos dichos de las fantasías y un final excesivamente largo y poco convincente, donde se defiende la vuelta a los orígenes comunales ante tanto caos. Pero a pesar de estos handicaps es un film inteligente y con los suficientes momentos álgidos como para justificar su visionado. No es el menor de ellos la aparición del cantante de moda, Rufus Wainwright.

 

Terror en el hipermercado

En una célebre escena de Los pájaros, una despeinada Tippi Hedren se refugiaba en un restaurante tras un ataque de las levantiscas aves. Allí tenía lugar un inquietante diálogo entre varias personas desconcertadas ante lo que esta pasando en su antaño apacible pueblo. Entre ellas una señora ultraderechista que pone los vellos de punta con su interpretación de la sublevación de los pájaros. Es la escena clave de la película, la que demuestra la intención del maestro Hitchcock en esta desoladora obra maestra. La separación humana y como las catástrofes lejos de unir disocian y sacan las diferencias.

             La niebla de Stephen King, llamada así tanto por el reclamo del escritor de Maine como, suponemos, evitar comparaciones con La niebla de John Carpenter, es como una versión corregida y aumentada de esta secuencia hitchcockiana. Como el genio londinense, Frank Darabont usa el terror como metáfora social. Y como tal la película no tiene desperdicio. Una extraña niebla que esconde inenarrados monstruos se apodera de un pequeño pueblo, dejando a un grupo de gente atrapada en un supermercado. Pronto queda claro que el principal problema no es lo que acecha entre las bajas nubes, sino como diría Sartre, que el infierno son los otros para con los demás. El grupo tiene que sobrevivirse a si mismo antes que los engendros que les rodean en la oscuridad.

 

            Es la tercera vez que Darabont adapta a King (la cuarta en realidad si añadimos un cortometraje hecho en sus años juveniles) y parece que su mirada se ha agriado. Cadena perpetua era una hermosa fábula sobre la libertad y La milla verde, a pesar de la dureza de la pena de muerte, dejaba entrar lo maravilloso. Luego, ya sin las muletas de King, hizo The Majestic, un inmerecido fracaso que demostraba lo difícil que es en este principio de tercer milenio que la gente se trague historias a lo Frank Capra. Tal vez por ello ha oscurecido su mundo. A esto se une que La niebla es un relato largo –o novela corta, que nunca me aclaro con esto- de 1980, la mejor época de King antes de convertirse en una churrería del terror, cuando era capaz de hacer obras que eran amargos reflexiones sobre la sociedad americana, como El resplandor. Darabont es fiel a ello. Su amarga fábula social tiene los elementos justos del cine de terror viscoso y algo gore para justificar el género, incluyendo una innecesaria alusión a la saga de Alien. Pero lo que importa es ver a este grupo de egoístas pensando sólo en salvarse a si mismos. La mujer a la que nadie va a ayudar cuando decide buscar a sus hijos. Los chulitos que cuando estalla el horror son incapaces de hacer nada. Y sobre todo, esa fanática religiosa que aprovecha la crisis para hacer adeptos. Veo innecesario recalcar lo que significa hoy en día hablar en un film estadounidense de gente asustada ante amenazas innominadas que cae en manos de una dictadura religiosa.

 

            Por si quedaba alguna duda de que Darabont no va a hacer concesiones se nos reserva un final insólito en una película comercial americana de hoy en día. Si en Los pájaros los protagonistas se perdían en la nada rodeados de aves aquí hay un desenlace de una contundencia tal que nos deja claro que lo que hemos visto era definitivamente un cuento cruel sobre una crisis social.